Los Soñadores: cine cuando ves cine. (The Dreamers). Dir. Bernardo Bertulocci.

Antes que nada permitan que les extienda un saludo después de una breve ausencia; no nos hemos retirado, seguimos en activo para ustedes. Sería interesante comentarles que hemos andado dándole un poco a la práctica, salir y usar la cámara, como un novato animado, pero a fin de cuenta intentando hacer algo.  Pero bien, no profundizaré mucho ene esto, pero me pareció pertinente ofrecerles una explicación.

Ahora directo a lo que nos atañe, y es que en éste breve periodo tuve la oportunidad de ver una película que al principio verdaderamente me parecía simple; un profesor nos indico que la viéramos y cuál va siendo la sorpresa. Una pieza que danza entre la modernidad con inserciones de cine clásico, y estoy hablando de “Los Soñadores”, una película dirigida por Bernardo Bertulocci, en la que los personajes son tres jóvenes con un estilo de vida bohemio y radical.

Matthew es un chico norteamericano que radica en París, y comienza describiendo una serie de aspectos que vuelven a ésta ciudad única en cuanto a su relación con el séptimo arte. Es precisamente en ésta atmósfera en que se encuentra con los hermanos Isabelle y Theo, intelectuales, con ideas revolucionarias, abiertas y en ocasiones extremas.

Pero algo que se vuelve aun más atractivo es la referencia de varios filmes de antaño a ésta, algunos de la autoria de Godard y Truffaut (Grandes directores de la Nouvelle Vague), y lo proyecta en un contexto propio en que existe un movimiento estudiantil, con una intensidad, pasión y apego al cine que es complicado describir en una reseña, pero encantador cuando se ve en escena.

A esto se agrega la forma personal de vivir de los personajes, los dos hermanos (Isabelle y Theo) mantienen una relación muy alejada de lo que convencionalmente pueden llevar dos siameses, su pasión por el cine trasciende sobre la pasión de erotismo, actitudes y sucesos extrañamente atragantes, pues en el momento que deciden aceptar a Matthew dentro de su estrecha relación, el comportamiento de ambos va cambiando, las actividades se vuelven aun más substanciales, como espectador puedes reprochar el tipo de sucesos que se incluyen pero en verdad es difícil hacerse a la idea de perder el hilo de la trama, dejar de ver hasta el último minuto.

Y que decir de la banda sonora, los escenarios, la dirección de arte; muy acorde todo a la temática y el estilo de cada personaje. Podrán encontrase con piezas musicales de Jimi Hendrix, The Doors, Bob Dylan, Janis Joplin, Martial Solal, Charles Trenet, entre otros.

La historia realmente es entretenida si se quiere ver así, tiene elementos a destacar, tanto en el libreto como en lo visual, y de igual forma si lo que se pretende es sentarse a mirar una movie que nos mantenga atentos y envuelva en la historia, esta es una de las indicadas.

Señores y señoritas es un gusto volver a encontrarlos por acá, como mencione al principio: seguimos en activo, esperando sus comentarios (las opiniones y críticas son bienvenidas); les aseguro que no se arrepentirán de ver una película entretenida, atractiva, algo controversial pero esto le genera una intensidad potencial.

No es difícil conseguir, es un filme del 2003 basado en la novela “The Holy Innocents” de Gilbert Adair, quien también participo en la película como guionista lo que nos habla de un dominio absoluto sobre la historia original.

Una película de colaboración entre: Inglaterra, Francia e Italia. No pierdan la oportunidad de verla y pues a disfrutar de una buena pieza.

¡Disfruten del cine!

¡Disfrútenlo ya! 

Estómago (Estômago): una película deliciosa. Dir. Marcos Jorge.

Un buen cocinero debe conocer los cortes exactos, un buen cocinero debe conocer el vino ideal para acompañar los platillos y, un cocinero ¿Debe saber llegar al estómago de una prostituta?.

Nonato es un joven humilde y de menguadas aspiraciones, sencillo obviamente y hasta cierto punto inocente, una inocencia cargada de carisma. Pero sus habilidades culinarias pronto comenzarán a vislumbrarse y sobre todo a generarle recompensas, ganancias y vida sexual, pues en su transición de un don nadie, a un don nadie trabajador de una cocina de comida italiana conoce a Iría, una prostituta de caderas anchas, busto prominente y un gusto enorme por la comida.

Comida por sexo.

Nonato entra a trabajar al restaurante de Giovanni, éste último lo descubre y ve grandes ventajas en su potencial al emplearlo. No obstante hay que enseñarle ciertas cuestiones acerca de la buena cocina, la selección de ingredientes, cortes de carne y la elección de un buen vino para acompañar los platillos, y es así como Raimundo Nonato al tiempo que se desarrolla como cocinero también va adquiriendo un toque de malicia que le hace animarse a sostener una relación con Iría, una prostituta de gran apetito y con una esencia encantadora, la cual no desaprovecha la oportunidad de obtener deliciosos platillos y está dispuesta a dar a cambio sus servicios a Nonato.

Está parte si bien no cae en el completo concepto bizarro, si funciona de una manera en que puedes concebir lo que estás viendo en la trama y llevarlo a la realidad, a final de cuentas si a un hombre se le conquista por el estómago, porque no al contrario, pero agregándole frivolidad, deseo, erotismo y un tipo que de un momento a otro despertara del silencio que ocasiona un perfil bajo y el abuso del patrón gordo pero con el poder adquisitivo para dominar al artista del gourmet.

La prisão  

Cuando se encuentren viendo “Estómago”, se toparan con la vida de Nonato fuera y dentro de la cárcel; como en muchas otras películas, deben esperar el momento crucial en que descubramos el choque de ambas historias.

Dentro de la prisión nuestro protagonista nuevamente se encuentra dentro de la estratificación en uno de los peldaños más bajos, pero volverá a hacer uso de sus habilidades en la cocina  para lograr obtener un puesto más privilegiado y que le permita sobrevivir en la cárcel.

Las celdas en Brasil son precarias, las instalaciones reducidas y como en otras partes del mundo, la corrupción dentro de ellas es evidente y sorprende cuando un filme como este lo proyecta, y no me refiero a que los prisioneros merezcan debidamente mejores condiciones para cumplir sus condenas, sino que al aplicar este elemento o circunstancia a la trama en combinación con el humor negro que manejan, se obtiene como resultado una comedia miserablemente fenomenal. Y es que aun cuando nos ofrece la historia de un sujeto ignorante, poco agraciado, desmejorado y manejado por quienes lo rodean, la estética que mantiene la obra de Marcos Jorge no deja de ser hermosa, un color muy peculiar en las escenas, calido y llamativo. La prisión de un estado grotesco y sucio, llevada de la mano de los conocimientos obtenidos por Nonato en la cocina, a un lugar propicio para llevar a cabo un banquete… ¡un banquete que Nonato no puede permitirse no servir!.

 

Un filme para chuparse los dedos.

“Estómago” es un filme italo-brasileño estrenado en el año 2008 dirigido por Marcos Jorge. La película es un reflejo de la desigualdad que hasta entonces vivían los brasileños y su ambición de llegar a una situación económico-social más prominente, además de llevar inmersa aspectos como la prostitución, corrupción, drogas y demás irregularidades que vive el país. Pero no nos convirtamos en unos quisquillosos de una situación social que por otro lado también cuenta con elementos exquisitos, la belleza femenina, el sabor del lenguaje portugués, el desenvolvimiento de los actores como João Miguel, sabiendo definir los puntos precisos en que su personaje debe ser un simplón y aquellos en que debe llevarlo a la exaltación, la pasión y el coraje. Las tomas son altamente atractivas, en ocasiones es posible sentir que se abre el apetito al contemplar la preparación y la dedicación que Nonato pone a los platillos, y cuando se ve a Iría disfrutar de los manjares, con esa actitud arrasadora.

Y así como ellos, la película se complementa con los personajes secundarios pero que no dejan de ser menos importantes en su respectiva categoría, pues cada uno le da ese giro al destino conforme se presentan nuevas situaciones trágicamente chuscas, pero bien planteadas.

Marcos Jorge logra hacer de éste filme una comedia con implicaciones sociales marginales, pero sin perder el hilo conductor, tampoco se vuelve mundana y simple, y mucho menos ridícula, una vez que tengan el gusto de ver “Estómago”, se darán cuenta de lo extraordinario del material, del hermoso cine brasileño.

A disfrutar del cine.

¡A disfrutarlo ya! 

Año Bisiesto (Michael Rowe 2010)

Año bisiesto es una película que tiene una temática fuerte, y digo fuerte porque maneja como tema el masoquismo, la soledad, la falta de cariño,  pero vamos, no es para asustarse.

Respecto al masoquismo, no van a ver gente con mascaras de cuero y estoperoles, látigos y pulseras de picos, cadenas, ni ese estilo estereotipado que vemos en todos lados, nada de eso, aquí resalta un masoquismo chilango, pero claro, si se puede ver la humillación, el sometimiento, la degradación y la vejación, pero hechas de una manera correcta y que no llega al morbo o a lo “asqueroso”.

Laura es una periodista oaxaqueña que vive en un edificio departamental en la colonia Tacubaya, en el DF, no es la mujer popular que tiene muchos amigos y que recibe visitas diariamente, de igual manera, no es la mujer que sale todos los días a visitar a sus conocidos. En cambio, es una mujer que espía a su vecina y gusta de observarla cuando ésta se encuentra con su novio. No pierde de vista a sus vecinos, que es una pareja de la tercera edad y que frecuentemente se sientan en su patio a beber café o a contemplar sus plantas.

La situación amorosa de Laura no aparece en esta película, le gusta salir y tener relaciones esporádicas de una noche, tener sexo con desconocidos y no conocer nada acerca de ellos, es una mujer que sólo se arregla cuando tiene en mente salir en busca de sexo. Laura ya en una de sus relaciones de una noche, llega a conocer a Arturo, éste, la frecuenta y comienza una relación que se basa en lo sexual. Es ahí donde la relación comienza a tener preferencia por lo masoquista, es cuestión de que le toque a su puerta, le marque al celular, y Laura siempre estará a las ordenes de Arturo, no hay tiempo para saludarse, es sexo masoquista y ya. Pero al terminar siempre platican, comentan cosas, Laura anhela un poco de cariño, de cierta forma Arturo se lo da, ambos se complementan.

Todo ese escenario se da en el departamento, nunca vemos a Laura fuera de su hogar (a excepción del comienzo del filme que aparece en un supermercado) y cuando no es visitada por sus amantes de una noche, llega su hermano, quien pocas veces aparece para platicar con ella.

La película es lenta, no tiene los grandes detonantes, pero la misma historia te atrapa, estar al pendiente de por qué Laura va tachando día por día el mes de febrero hasta saber qué es lo que pasará con el último día ahí marcado. Saber si la mitomanía de Laura es para protegerse de sus amantes o lo hace sólo por mentir, por engañar a la gente y así tener algo que comentar acerca de su “aburrida” vida.

El personaje de Arturo, es interpretado por Gustavo Sánchez Parra (Amores Perros, De la calle, Cero y van Cuatro, Matando Cabos por mencionar algunas) pero por fin lo podemos ver sin estar en la calle robando, asaltando, en cosas ilegales, personajes que siempre interpreta y que por fin en esta cinta cede a otro protagonista interesante y al mismo tiempo misterioso. El director (Michael Rowe) proyecta a la mexicana promedio; Laura, (Mónica del Carmen) morena, cabello oscuro y deja a un lado a la mexicana de tez blanca.

Es una película en la que la música no refuerza las situaciones en la actuación, es decir, el único audio que escuchamos es el de la televisión, cuando abren o cierran las puertas, el celular, etc.

Película mexicana que obtuvo en Cannes el Premio Cámara de Oro (2010), que reconoce a la mejor ópera prima de un nuevo director. Es la primera vez que México gana este galardón en los 63 años del festival de cine. Un filme mexicano que realmente vale la pena ver.

  

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Porque de pronto es bueno que nos cuenten una de vaqueros: Rango (2011) Dir. Gore Verbinski.

Para 1903 Edwin S. Porter se convertía en el padre del western al presentar “El gran robo al tren”, para la década de los 50’s John Ford lo llevaba a su cúspide con filmes como “La diligencia” o “El centauro del desierto”. Y ya para 1966 Sergio Leone convertía al entonces joven actor Clint Eastwood en la figura referente de las películas del oeste con el gran boom llamado “El bueno, el malo y el feo”, una cinta que el propio Tarantino a considerado como la mejor dirigida de todos los tiempos.

A pasado mucho desde entonces, el genero western se ha ido desvaneciendo y poco queda de aquel Clint vestido de cowboy y portando sus revolver en una puesta de sol. Pero para deleite de muchos, en especial de los niños; llega a tiempos contemporáneos una película de “vaqueros” muy peculiar, estoy hablando de Rango.

De John Wayne a un camaleón con camisa tropical.

Nickelodeon Movies e Industrial Light & Magig traen una divertida animación en la que el personaje es un camaleón sin identidad. Y justamente en ese momento trascendental de su vida por cuestiones del destino termina tirado sobre la carretera, ahora debe enfrentar su propio destino como el resto de los seres, los cuales no podemos escapar de cumplirlo.

Realmente se vuelve atractiva la trama en el momento en que Rango pisa el “pueblo”, ver animales adecuados a los perfiles de personajes del western, el escenario con detalles peculiares y puntadas que dan un acierto para seguir renovando y evolucionando el cine de imágenes generadas por computadora. Cada uno de estos personajes adquieren un carácter que refleja al actitud humana y proyectan como en la mayoría de las películas dirigidas a niños, un mensaje de reflexión y concientización acerca del entorno que habitan y la preservación del mismo. 

Verbinski fue el encargado de dirigir la trilogía de “Los Piratas del Caribe” de la casa Walt Disney, y cuando comenzó el proyecto de Rango tenía en mente alternarlo con otras producciones, pero se dio cuenta que la animación requería de sumo cuidado y atención, por lo tanto se enfoco de lleno para que el resultado fuera de calidad y con el propósito con el que nació.

En la versión en inglés la voz de Rango esta a cargo de Jonny Deep, y un dato curioso es la caracterización del camaleón con su vestimenta estilo Hunter S. Thompson, máximo representante del periodismo gonzo y que el propio Jonny Deep interpreta en el filme "Fear and loathing in Las Vegas" de Terry Gilliam. Esta constante en las películas de animación, el hecho de recurrir a parodias de cintas que las anteceden funciona de manera cómica, siempre y cuando se tenga el claro referente.

Volviendo a Rango, hay que aprovechar que está en cartelera y debido al genero seguro tendrán un largo plazo para disfrutarla en cine, altamente recomendable tanto para niños como para aquellos que gusten de las cintas ligeras, con temáticas entretenidas y un lenguaje dinámico, con puntadas cómicas y justicia poética.

Uno debe contemplar el cine en sus diferentes facetas, tenemos la libertad de hacerlo y por lo tanto no nos limitemos y acerquémonos a los filmes dirigidos a los niños, de tener oportunidad acompañémoslos y compartamos (siempre y cuando la película cuente con la calidad visual y en los diálogos)esa alegría e inocencia desmedida que genera por lo menos unos 107 minutos de tranquilidad y simpatía. Así es, ya sea en compañía de los pequeños, o con tu pareja, amigos, con quien más guste, aprovechemos esa diversidad en el cine que llega a las salas.

Por cierto no pierdan de vista (o de oído) la banda sonora de la película, muy atractiva. Si quieren que les cuenten una de vaqueros, está es al indicada.

¡Disfruten del cine!

¡Disfrútenlo ya! 

3 razones por las que hay que ver Tetro de Francis Ford Coppola.

Tetro es la película más reciente del multipremiado Francis Ford Coppola. Bennie un joven americano viaja a Buenos Aires, Argentina a buscar a su hermano Tetro, un escritor del que alguna vez se espero mucho. Durante la estancia del joven con el escritor, este descubre la obra casi concluida y la ve como una oportunidad de descubrir su pasado y fortalecer el lazo familiar perdido.

Pero mas allá de la historia, la película es una clase de cómo se deben hacer las cosas en el negocio del cine. Una historia que, a pesar de su duración no se hace pesada y muestra un drama casi griego, digno de una ópera antigua y para probar lo que digo, estos tres aspectos a considerar sobre el filme.

1.- Por la clase de iluminación gratis.

La película muestra los flashbacks o recuerdos de los personajes a todo color, jugando con las texturas de la película y lo que podemos considerar como la historia en tiempo “presente” la vemos en blanco y negro, con una estética aun mas exquisita, dando siempre los correctos tonos de gris para generar el volumen y la intensidad dramática adecuada. Cuando uno aprende a iluminar correctamente en blanco y negro, y particularmente a realizar los encuadres con tal cuidado y contención, logra dar la sensación de intensidad emocional tan necesaria para la historia.

El manejo de niveles lumínicos, que funcionan a la par de la necesidad dramática.

2.- Por la dirección de actores.

Francis Coppola siempre ha sabido trabajar con sus actores, desde la selección de ellos. Para ejemplo basta que recordemos que es el director de Apocalypse Now y, por supuesto la trilogía The godfather. En Tetro Vincet Gallo muestra la actuación que nace del interior y explota en la cara del espectador, una clase de timming actoral. Mención especial merece Maribel Verdú que viaja del español al inglés sin salir del personaje, una psicóloga que se enamoró de uno de sus pacientes y que trata de mejorar la vida de ambos. El resto del elenco funciona dentro de la misma dinámica, entrando y saliendo de si mismos para interactuar con su entorno.

3.- Por su montaje

El respeto del montajista por los tiempos de los actores es importantísima para este filme. Una película puede verse arruinada sin un montajista consciente del tiempo natural de cada plano. En Tetro, Walter Murch lleva esto más allá y deja que no solo el cinefotógrafo le enseñe sus encuadres, sino que los propios actores le digan el tiempo que tiene cada escena, dejándolos mostrar en la pantalla la realidad de sus personajes.

Y como un bonus, les diré que la penúltima escena tiene un estilo en su rodaje y montaje de cinema clásico que, por si sola, vale la pena el boleto.

El cast de Tetro con el director.

Tetro muestra la madurez y entendimiento del arte del cine de uno de los mejores directores en activo del mundo. Una película sólida y con todos los elementos necesarios para que nos dejemos llevar por un drama de dimensiones clásicas. Una película indispensable dentro de la filmografía de Francis Coppola y, desde ahora lo digo, una de las mejores películas del año. Y sino me creen, vayan al cine.

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Colour Me Kubrick: A True...ish Story (Dir. Brian W. Cook)

Con motivo del doceavo aniversario de la muerte de Stanley Kubrick (7 de marzo de 1999) me di a la tarea de ver otra vez está película, que aunque no la dirigió Stanley Kubrick, si hace referencia a este gran director.

Alan Conway es una persona que se hace pasar por el director de cine Stanley Kubrick. Como en los años noventa, no estábamos acostumbrados a twitter ni a facebook (pues no existían) y debido a que el director de “Lolita” (por mencionar alguno de sus filmes dirigidos) no era una persona que practicara aparecer en medios de comunicación y era muy raro que otorgara entrevistas, la mayoría de la gente no conocía el rostro de dicho director, es por esta razón que Conway aprovecha las diferentes situaciones que se le presentan y logra convencer a toda persona que se le acerque para “exprimirlas” económicamente o de alguna otra manera (cigarrillos, alcohol, hospedaje, etcétera).

La película comienza haciendo algún tipo de homenaje a A Clockwork Orange (La Naranja Mecánica) con la misma música y asemejando la rebeldía de Alex Delarge pero esta vez con unos compañeros punks que van a casa de “Stanley Kubrick” para cobrarle unas libras que les adeuda.

Son un sinfín de situaciones que van haciendo que uno se entretenga y mantenga la atención por saber cómo va a engañar a todo tipo de gente que está cerca de Conway, desde el muchacho en el bar que lo convence de que sus diseños de moda son una maravilla, hasta el artista ingles que logra convencer para llevarlo a Las Vegas y así lanzarlo a la fama en todo Estados Unidos.

Cabe resaltar que las escenas donde aparece música de A Clockwork Orange y 2001: A space odyssey se manejan de manera correcta y va acorde a las actuaciones, son una buena combinación y eso le agrega más entretenimiento a la película.

La actuación de John Malkovich es divertida y al mismo tiempo seria, logra cautivarnos e imaginar si en verdad el legítimo Stanley Kubrick era así en la vida real.

Es una película que tiene relación con la vida real, Alan Conway existió, fue una persona que sufría de alcoholismo y mitomanía y que logró engañar a una buena cantidad de personas en Londres. Es por eso que la historia de este embustero se llevó a la pantalla grande, nunca se le llevó a juicio y algo curioso, murió tres meses antes que el mismo Kubrick. Se le llegó a informar a Stanley Kubrick de su estafador, pero al director no le importó y hasta se sintió feliz de Conway para que los reflectores se voltearan hacia el imitador.

Una película entretenida y si eres fan de Stanley Kubrick no puedes dejar de verla.

Había una vez alguien llamado: Stanley Kubrick.

Un 7 de marzo de 1999 uno de los más grandes directores que han existido termina su ciclo en la vida terrenal; Stanley Kubrick fallece.

Pero qué es más grande que la noticia de su muerte… lo es su mismísima vida dentro del ambiente cinematográfico. Con producciones impresionantes que van desde una película de época como Barry Lyndon, hasta una visión futurista extremadamente adelantada para su época de realización, me refiero a “A Space Odyssey 2001” de 1968.  

Con su propio sello en cada una de sus películas convirtiéndolas en cine de autor, Kubrick se vuelve un claro referente de los Films de culto.

En la presente semana en que se cumplen once años de su muerte, bien vale la pena recordarle viendo parte de su legado, si se le conoce, seguro les dará gusto mirar nuevamente cualquiera que sea su favorita dentro de sus trece películas, o bien por otra parte si le es extraño el nombre de tan enorme director, aquí tienen algunas recomendaciones para disfrutarlas inmediatamente:

5.EYES WIDE SHUT (1999).

Sería bueno que en un breve conteo regresivo colocáramos a “Ojos bien cerrados” en la traducción al español; ya que además de una trama cuidada en cada detalle y el manejo de imágenes y fotografía impecable, a muchos les atraerá el hecho de que los protagonistas sean de los consentidos de Hollywood, pues hablo nada más y nada menos que de Tom Cruise y Nicole Kidman.

Está fue la última cinta realizada por Stanley; lamentablemente falleció antes de su estreno. La película es realmente buena pero su contexto externo la vuelve aun más interesante.

4. LOLITA (1962).

Basada en la novela del mismo nombre de la autoría de Vladimir Nabokov, esta película a sido recreada en varias ocasiones, y la verdad es que se han realizado mejores adaptaciones que la del mismo Kubrick, pero aun así no disminuye su calidad estética y dramática. En la cuarta posición la historia de un escritor adulto que queda fascinado con una chica muy joven llamada Lolita, la cual es sumamente manipuladora y con un enorme atractivo.

En la versión original del libro, Lolita tiene 12 años apenas, al llevarla al cine por cuestiones de regulación aparece de 14 años.

3. Barry Lyndon (1975).

Espectacular producción, una película de época pero con enormes avances en técnicas para filmar. Para está película Kubrick creo un tipo de lente especial en el cual la luz exterior o natural se aprovechara en las locaciones de interior, las imágenes tienen una tonalidad suave y hermosa, sensibiliza al lente de la cámara y la narrativa es emocionante, no se pierde en una historia de simple pelea y cruzadas, el personaje principal (interpretado por Ryan O’Neal) se presenta como un enamorado nada convencional, pues es ese mismo sentimiento el que lo lleva a la ambición, podemos ver de forma increíble como Barry va cambiando su carácter, de forma que aunque seguimos observando al mismo sujeto, el espectador puede sentir que algo en él a pasado.

Vestuario, locaciones y peculiares artículos de utilería, una composición de calidad propia de Stanley.

2. A CLOCKWORK ORANGE (1971).

La famosísima “Naranja mecánica” por su traducción al español, la historia de Alex y su pasión por la música instrumental, en especial la de Beethoven, pero su espíritu criminal permanente y despiadado liderazgo lo hacen pasar por una serie de eventos desastrosos para resurgir como el Fénix  en la ola de la maldad, excesos y la vida surrealista que crea Kubrick para este personaje. Sin lugar a dudas un drama trascendental, seguramente han escuchado de ésta cinta, de cualquier forma no se pierdan en la semana del aniversario luctuoso de Kubrick “A Clockwork Orange”.

1.  2001: A Space Odyssey (1968).

El primer puesto sin dudarlo se lo otorgo a la Odisea más hermosa que se a realizado:

Música fenomenal, efectos especiales originados desde el momento de la filmación, diálogos breves pero precisos, una visión futurista con mucha coherencia, detalles fuera de lo común y, la presencia del hombre y su evolución vista desde un punto estéticamente atractivo, si “Las Guerras de las Galaxias” fue el boom, “Odisea del espacio 2001” bien merece el reconocimiento y las palmas por el esfuerzo y los excelentes resultados en cuanto a efectos visuales, pues al final existe una enorme probabilidad de que digan: “¿Y cómo lo hizo si no usaba las ventajas de los efectos digitales o computarizados”; en otra ocasión hablaremos acerca de eso, pero por lo pronto por ningún motivo pierdan la oportunidad de ver esta formidable pieza de arte, la cual es muy accesible en cuanto a conseguir.

Mención honorífica: The Shining (1980).

Con la destacada actuación de Jack Nicholson, un drama de terror que de la misma manera que varias de las cintas de Stanley, muestra escenas oníricas, espeluznantes y con una carga de tensión que raramente resulta interesante, agradable y de gran impacto.

Es así como hago un conteo regresivo de seis películas de la filmografía de Stanley Kubrick, las cuales personalmente considero tienen en su haber las producciones más sobresalientes y que en cualquier era, en diferentes edades, contextos y lenguajes, crean una satisfacción al mirarlas e impulsan a realizar cine de calidad, creativo y siempre procurando dejar huella, tal como lo hizo Stanley.

¡Larga vida al gran director de culto Stanley Kubrick!

Y a ustedes… ¿Cuál les parece la mejor?. 

MIs predicciones al Oscar por @hectordramos

En el video describí las categorías principales así que aquí pongo el resto de las categorías y los que según yo serán los nominados.

Guion adaptado - Aaron Sorkin; The social network
Guion original - Scott Silver, Paul Tamasy, Eric Johnson Keith Dorrington; The fighter
Película animada - Toy story 3
Dirección de arte; - The king's speech
Cinematografía - Black Swan
Sonido - The social network
Edición de sonido - Inception
Banda sonora - The social network; Trent Reznor y Atticus Ross
Canción original - We belong Together; Randy Newnam (Toy story 3)
Vestuario - The king's speech
Documental - Exit through the gift shop
Edición - Black Swan
Maquillaje - Barney's version
Corto animado - Day & Night
Cortometraje - The crush
Efectos visuales - Inception

Pue schequen en cuantas acierto y diganme a cuantas le atinaron ustedes.

Más allá del valle de las muñecas. (Beyond the Valley of the Dolls). Dir. Russ Meyer.

A comienzo de la década de los 70’s un cine con humor disparatado y con una carga sexual liberal originada desde los 60’s comienza a ser digerido en los Estados Unidos de Norteamérica con mayor aceptación, y es que aunque es bien sabido que el erotismo y las escenas de porno suave han estado presentes desde la aparición del cine, Más allá del valle de las muñecas recrea una atmósfera un tanto bizarra. Cada uno de sus personajes sostiene esta onírica actitud que transcurre en un ambiente de celebración, farándula y la búsqueda del éxito.

Lo anterior puede parecer trillado hoy en día, pero para aquellas épocas aun resultaba atractivo y si se le suma a esto que la banda principal en la que se centra la trama es un trío de chicas que vive al estilo rockstar que sólo se acostumbraba en los hombres, aunque ya habían trascendido figuras como Janis Joplin, Grace Slick de The Jefferson Airplane o Nico de la banda The Velvet Underground; pero lo que hacía especial a éste conjunto de chicas era su fuerza en las melodías, las cuales en ningún momento fueron interpretadas por ellas, ni tampoco sabían tocar los instrumentos como lo hace parecer la película, pero sus actuaciones realmente hace creer  que todo esto fuera real.

Otro aspecto que cabe resaltar es que Meyer comienza dirigiendo películas nudie films, las cuales se caracterizaban por el destape y sensualidad de las protagonistas, los senos prominentes y actitud más desafiantes de las féminas; la ola francesa una década anterior ya había introducido la femme fatale, Meyer las presenta mucho más deseosas, frívolas e incluso con inclinaciones lésbicas, las actrices Erica Gabin y Cynthia Myers se encargan de dar vida a un par de mujeres, con una diferencia de edad razonable, pero que se sienten atraídas la una por la otra y el mismo director no vacila y abre el espacio para una escena erótica entre ambas. De igual forma existe aquel personaje con inclinaciones homosexuales aunque a diferencia de la cordura y sensibilidad de las chicas, éste va al extremo de lo bizarro, mente retorcida pero con una visión de proyección y reconocimiento de talento en las personas que lo rodean. Pero estos son sólo algunos elementos de los cuales se construye la trama.

El personaje principal interpretado por Dolly Read vive dentro de la película como aquella chica hermosa y talentosa que un presunto golpe de suerte la lleva a codearse con las figuras de Hollywood, adentrarse en los excesos y vivir la vida loca.

Una película realmente entretenida, con un contenido interesante y una banda sonora extraordinaria, gran parte de la música fue escrita por Stu Philips, se consiguieron las voces que se adecuaran al perfil de las protagonistas y así estas únicamente hicieran como que cantaban, la manera en que imitan los movimientos con las guitarras y la batería les genero una fama en que muchos creyeron que de verdad tenían el conocimiento y habilidad con los instrumentos.

Poco convencional pero que los conectara con otro tipo de cine dentro del mismo Hollywood, creativo y atractivo film, no pierdan la oportunidad de conseguirlo, a más de cuarenta años de su creación, la frescura que proyectan los actores los mantendrá atentos y difícilmente quedaran inconformes con esta cinta muy grubbie. 

Disfruten del cine!!!

Disfrútenlo ya!!!

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Etz Limon (Lemon tree, Los limoneros) Dir. Eran Riklis

Hay muchas películas que retratan el conflicto entre palestinos e israelís. Los limoneros forman parte de esas películas, sin embargo, en este filme no observamos conflictos armados, sólo ideológicos. 

Es la historia de Salma, una viuda que tiene unos limoneros como único sustento y estos los ha heredado de su padre, pero todo esto va a cambiar cuando su nuevo vecino es el ministro de defensa de Israel. El ministro de defensa cree que los limoneros son una amenaza para la frontera entre Israel y Cisjordania y la casa que habita junto con su esposa Mira Navon. Es cuando decide quitar los limoneros para que no se filtren terroristas y lleguen a atentar contra sus vidas y el país de Israel.

Salma que ama esos limoneros por formar parte de toda su niñez y que representa sus raíces, no va a dejar que toquen su patrimonio.

Decide llevar el caso a juicio y conoce a Ziad Daud un abogado que sólo ha llevado conflictos de divorcio. Para él, es un caso muy complicado y no da esperanzas a Salma de ganar. Y aquí es donde se expone una historia de amor. Salma y Ziad pasan mucho tiempo juntos y pronto empieza a notarse que ambos se gustan, pero tienen un gran problema frente a ellos, Salma es viuda y es casi imposible que manche la memoria de su esposo fallecido. Ziad es mucho menor que ella, casi de la edad de  su hijo y eso es otro gran problema.

Los mismos conocidos de Salma la reprimen con visitas, negándole que vuelva a ver al abogado, pero ella lo que busca es recuperar sus limoneros a los cuales ya no puede entrar, ya que el gobierno israelí los ha cercado.

Los medios de comunicación toman el caso para exponerlo a nivel nacional y pronto se vuelve internacional, un papel importante el que juegan los medios para meter presión al gobierno israelí y dejar a Salma en paz con sus limoneros. Mira Navon la esposa del ministro de defensa israelí empieza a simpatizar con Salma y no entiende por qué le tienen que quitar sus limones, sin embargo, Salma se muestra hostil ante Mira y nunca llegan a simpatizar.

Es una historia donde se exponen los conflictos diplomáticos que tienen ambos países desde ya hace muchos años, las tradiciones palestinas en cuanto a relaciones amorosas y el orgullo por no ceder sus tierras aun cuando el gobierno Israelí está dispuesto a indemnizar económicamente a Salma por sus tierras.

Cinta ganadora del Premio del Público en el festival de Berlín de 2008 y que está basada en hechos reales.

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14 de febrero con Mac Webb

Estas fechas son siempre muy emotivas para todos, se regalan centenares de globos, dulces y por supuesto que se tapizan de notas auto-adheribles millones de carros. Todo es alegría, sonrisas y buenas caras. Sin embargo hay algunas personas que buscan ser precisamente la anti-tesis de todo eso y ven el día del amor y la amistad como algo creado por la infernal corporación Hallmark para incrementar sus ventas.

Yo no pretendo juzgar a nadie, no soy quien para ello, pero para tod@s les tengo la misma recomendación, 500 days of summer de Marc Webb. Esta película de corte independiente narra la historia de amor y sus dificultades entre Tom, un irremediable enamorado que cree en el amor a primera vista y el duraron felices para siempre y Summer Finn, una chica que prefiere vivir sin ataduras ni etiquetas y que como lo dice el Narrador al principio del film, "This is a story of boy meets girl, but you should know upfront, this is not a lov story".[esta es una historia de un chico conoce una chica, pero deben saber desde ahora que esta no es una historia de amor].

Protagonizada por el cada vez mas famoso Joseph Gordon-Levitt interpretando a Tom y acompañado en un papel muy pequeño pero muy especial la joven pero gran actriz Chole-Moretz que es mas famosa por ser Hit-girl en la sangrienta adaptación del comic Kick-Ass y mas recientemente por ser una pequeña vampiresa en el remake americano Let Me In. 

Pero mención aparte merece Zooey Deschanel interpretando a Summer Finn, logrando hacer de este personaje una mujer decidida, alegre y con muchas cicatrices internas que trata de esconder bajo su actitud despreocupada. Todos ellos convergen dentro de una atmósfera dinámica, cortesía de un gran montaje y una gama de emociones tan humanas e irracionales que sin duda logran por encima de todo una cosa: La identificación del público con el personaje.

Porque al final del día todos hemos pasado por la hormona, la excitación y el romanticismo cursi de Tom Hansen y en mas de una vez nos enfrentamos a una relación con la misma barrera y protección de Summer Finn. Son personajes humanos que nos llevan a cuestionarnos quiénes somos, por qué hacemos las cosas e incluso como aquellos detalles que al principio amabas de tu pareja mas adelantes se vuelven justo lo que más odias de ella.

500 days of summer es una película agridulce que nos hara cuestionarnos muchas cosas de nosotros mismos, nos guste o no al final todos creemos en el amor, con defensas o sin ellas nos terminamos aventando al ruedo esperando no caer pero preparados para cuando suceda.

 ¿Ustedes qué película recomiendan para este día tan meloso?

Feliz 14 de febrero y todas esas cosas.

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